“We are the aliens!”

Interview conducted by Yan Vogel

October 21, 2021

Dream Theater serve up widescreen prog metal with A View From The Top Of The World. In addition to the instrumental muscle flexing, the band maintains the melody-oriented approach of its predecessor.

Founding member and low-frequency ace John Myung lives by the motto silence is silver, playing bass is gold. While other colleagues are known as blabbermouths, the quiet American with Korean roots prefers to let the music do the talking. The breakneck spots in ‘Metropolis Pt. 1’ or ‘The Dance Of Eternity’ are suitable as a tip for his skills. What is often overlooked is his song-serving ability to form a rhythmic dream team with the respective drummer in the bunch. Mike Mangini has been at Myung’s side for ten years now, following the departure of Mike Portnoy. The veritable team gives the New York prog metal institution a foundation as well as a filigree coat of paint. Now, in his level-headed and innocuous way, the 54-year-old gave laut.de an insight into the development process of the latest Dream Theater release A View From The Top Of The World.

Yan Vogel: Your new release has become a typical band album, with some modern facets. What comes to your mind when you listen to the record after the production of A View From The Top Of The World is finished?

John Myung: It felt very good from beginning to end. ‘The Alien’ leads into the album and was also the first song we wrote. The track is pure energy and pulls you in from the first note. So the tone was set for the songwriting sessions. It was good to work together again. We all pulled together and were focused until the end of the journey.

The last song was written on John’s eight-string guitar, which he had acquired some time ago. We had six songs to date. That didn’t seem like enough for an album. Now before we started overdubbing our parts, John wanted to use the eight-string guitar and that’s how ‘Awaken The Master’ came about. The key is a low F#.

I implement this on my six string bass by attaching a guitar capo. I’ve been playing a new model since last year, the neck of which is not particularly wide. I now place the capo at the second fret so that when I play the low E string, a low F# sounds. So I was able to implement the guitar riffs, which are very monstrously designed.

YV: It sounds dark and dramatic. There are some extreme metal moments especially in the first song and in ‘Awaken The Master’ as you described.

JM: Those were the first and the last tracks that were written. The flow of the songwriting differs from the track order found on the album. First we wrote ‘The Alien’, then ‘Sleeping Giant’, ‘Transcending Time’, ‘Answering The Call’, ‘A View From The Top Of The World’, ‘Invisible Monster’. That’s the order in which the songs were written.

YV: Talking about ‘The Alien’, you ended Distance Over Time with ‘Pale Blue Dot,’ a beautiful view of our home planet. In ‘The Alien’ you take a different perspective. Earth had to be left in the wake of a catastrophe and a new home had to be settled. How did this change of perspective come about?

JM: James is responsible for the lyrics. You have already outlined the basic theme. This is connected with the question of where our place will be in the future. The situation surrounding climate change and its further course raise many questions.

Sustaining life on this planet will not be easy, also due to dire forecasts such as the sun becoming hotter and hotter. That will take a few million more years, but eventually the point will be reached when all the life-giving water has evaporated.

James was inspired by Elon Musk’s ideas on interplanetary travel and resettlement. It’s a very exciting topic, but seems more logical the more you think about it. We will be the aliens when it comes to the point that we have to leave our planet.

YV: The artwork features a little boy standing a bit lost on a mountain with a skyline in the background. The oversized shoes, which can also be found in the picture, seem a little surreal. Aside from the escape fantasies of ‘The Alien,’ the thought of the next generation resonates.

JM: I adore the work of Hugh Syme. It’s always fascinating to see what the album title awakens in his fantasy and imagination and then puts on paper. In every case he captures the album title and the spirit of the record.

YV: Besides the artwork, the album title can also be read as a beautiful description of a band with progressive aspirations.

JM: The title alludes more to extreme adventures that people go on and reflects the intense experiences. Starting with the idea, the attempts to implement it in preparation and the subsequent journey, we describe the fascination that such an adventure brings.

This can be a borderline experience such as climbing at extreme heights and the kick that people get from it. It may be that it allows them to feel themselves more strongly in such high-flying moments. This also relates to other incredible endeavors people go on.

It’s important to me that we make a positive reference when we use this title. I think it’s a very positive statement and sums up our experiences over the past year and a half very well.

YV: On the one hand, Dream Theater is characterized by high technical standards. At the same time you also act in a way that suits the song. There are some great melodies and choruses like in ‘Sleeping Giant’ or ‘Transcending Time’. James pulls off those tunes very well this time. What do you think about the interplay between technique and emotion?

JM: This balance is what distinguishes us as Dream Theater. We have the instrumental side in us that puts a lot of strain on our hands and fingers (grins). Just as we are committed to that technical side, we also have passages of cool melodies that James enhances with his strong voice. His perspective and soul take us to another level. It’s just us. We are five people and our music reflects the chemistry of who we are and what makes us tick.

YV: To what extent do the songs you play live influence the composition process? You performed your concept masterpiece Scenes From A Memory in its entirety on the occasion of its twentieth anniversary, which can be heard on the recording Distant Memories. The staccato guitar in combination with the snare drum at the beginning of the title track bears some resemblance to the beginning of the Scenes overture. ‘Sleeping Giant’ with its dramatic arc of suspense is also reminiscent of the finale. Is there a connection between the completed tour and the subsequent songwriting process?

JM: There are always individual elements of our albums that we draw on as references and that help determine the direction. In a certain way, the new album captures the momentum that the success of Distance Over Time gave us.

The energy and direction of that record continues to impress us. At the same time, we’re also borrowing elements here and there from past albums like Scenes From A Memory and reshaping them a bit in the process.

YV: Did you play together in a room to work out the parts or were the parts already finished and written out beforehand?

JM: A little homework precedes the sessions. Everyone works something out and brings the ideas with them. When we started the process, we were all in a room together. James was unable to travel due to the pandemic, so he was connected via video call. So he was on the same page as everyone else. It felt like he was there.

We started with the seed of a song and worked our way down to what felt most natural to us and matched our playing style. Every idea speaks to you in a certain way and gives you instructions on how to implement it. We don’t do a lot of experimentation either. After a while, the idea develops and turns into a song. When it’s finished, then something new starts. At the same time, it’s very spontaneous, especially at the point where a lot of things seem possible when you’re in creative flow.

YV: The Astonishing was a musical with orchestral accompaniment throughout, Distance Over Time surprised with a back to the basics approach, and now with your new headquarters you have constant opportunities to get together and work on new music. How important has this step towards independence been?

JM: We always wanted to have a second home where we could write and collaborate. If you don’t have a place like that to call your own, you have to keep adjusting to changing locations. Now we feel very much at home and make it a little more comfortable from time to time. It’s a dream come true. It’s pure joy and the result makes us very happy.

YV: There are currently three different lyricists. Which song is yours?

JM: I wrote ‘Awaken The Master.’ I use the word master as a metaphor for heart. You could also talk about opening your heart. The song is quite spiritual and has multiple layers in how it is read. Sometimes you have to let go of something or turn to new things. Whenever that happens, you first listen with your ears, which seems only normal.

Now when you engage your heart with the question, you realize that your heart is also able to listen. And sometimes your innermost being comes up with an answer that you didn’t expect. To me, that’s a better way to follow what you really want in a decision-making process.

The song is also influenced by a documentary called Inner Worlds And Outer Worlds, which talks a lot about the impact of technology and the speed it brings to the human mind. This can definitely have a negative impact on humanity. The challenges associated with this play a big part in my thinking.

YV: You describe a very reflective moment. In contrast, when you put on ‘Transcending Time,’ you hear a very uplifting song crowned by a great chorus. The lyrics describe the creative flow that transcends time and space.

JM: The song is actually a little different from the rest. It’s in a major key, which evokes the feeling you’re talking about. A big challenge was capturing the vibe and energy without going too far into the major key. For instance, we didn’t want to leave out heaviness. We worked on it for a while, but I think we succeeded. The track is very cool and has some borrowings from Rush. The song may be in a major key, but it’s heavy and rousing.

Original text

“Wir sind die Aliens!”

Interview geführt von Yan Vogel

21. Oktober 2021

Dream Theater servieren mit “A View From The Top Of The World” Prog Metal im Breitwandformat. Neben den instrumentalen Muskelspielen behält die Band den Melodien-orientierten Ansatz des Vogängers bei.

Gründungsmitglied und Tiefton-Ass John Myung lebt nach der Devise Schweigen ist Silber, Bassspielen ist Gold. Während andere Kollegen als Blabbermouth verschrien sind, lässt der ruhige Amerikaner mit koreanischen Wurzeln lieber die Musik sprechen. Als Anspieltipp für sein Können eignen sich die halsbrecherischen Spots in “Metropolis Pt. 1” oder “The Dance Of Eternity”. Was oft übersehen wird, ist seine songdienliche Fähigkeit, mit dem jeweiligen Schlagwerker im Bunde ein rhythmisches Dream Team zu bilden. Seit bereits zehn Jahren steht nach dem Ausstieg von Mike Portnoy Mike Mangini an Myungs Seite. Das veritable Gespann verleiht der New Yorker Prog Metal-Institution Fundament sowie einen filigranen Anstrich. Nun gewährte der 54-Jährige in seiner besonnenen und unverfänglichen Art laut.de einen Einblick in den Entstehungsprozess des neuesten Dream Theater-Outputs “A View From The Top Of The World”.

Yan Vogel: Euer neuer Output ist ein typisches Band-Album geworden, mit einigen modernen Facetten. Was kommt dir in den Sinn, wenn du nach dem Ende der Produktion zu “A View From The Top Of The World” die Platte anhörst?

John Myung: Es fühlte sich von Anfang bis Ende sehr gut an. “The Alien” führt in das Album hinein und war auch der erste Song, den wir geschrieben haben. Der Track ist pure Energie und reißt dich von der ersten Note an mit. Somit war der Ton für die Songwriting-Sessions gesetzt. Es war gut, wieder zusammen zu arbeiten. Wir zogen alle an einem Strang und waren fokussiert bis zum Ende der Reise.

Der letzte Song entstand auf Johns acht-saitiger Gitarre, die er sich vor geraumer Zeit zugelegt hatte. Wir hatten bis dato sechs Songs. Das schien uns nicht ausreichend für ein Album zu sein. Bevor wir nun mit den Overdubs für unsere Parts begonnen haben, wollte John die acht-saitige Gitarre einsetzen und so entstand “Awaken The Master”. Die Tonart ist ein tiefes Fis.

Ich setze dies auf meinem sechs Saiter Bass um, in dem ich einen Gitarren-Kapodaster anbringe. Ich spiele seit letztem Jahr ein neues Modell, dessen Hals nicht besonders breit ist. Am zweiten Bund platziere ich nun den Capo, damit wenn ich die tiefe E-Saite anspiele ein tiefes Fis erklingt. Somit konnte ich die Gitarrenriffs umsetzen, die sehr monströs gestaltet sind.

YV: Es klingt düster und dramatisch. Gerade im ersten Song und in dem von dir beschriebenen “Awaken The Master” gibt es einige Extrem Metal Momente.

JM: Das war der erste und der letzte Track, die geschrieben worden sind. Der Fluss des Songwritings unterscheidet sich von der Trackabfolge, wie man sie auf dem Album findet. Zuerst schrieben wir “The Alien”, dann “Sleeping Giant”, “Transcending Time”, “Answering The Call”, “A View From The Top Of The World”, “Invisible Monster”. In der Reihenfolge sind die Songs entstanden.

YV: Um auf “The Alien” zu sprechen zu kommen. Ihr habt “Distance Over Time” mit “Pale Blue Dot” beendet, einem schönen Blick auf unseren Heimatplaneten. In “The Alien” nehmt ihr eine andere Perspektive ein. Die Erde musste im Zuge einer Katastrophe verlassen werden und eine neue Heimat besiedelt werden. Wie ist es zu diesem Perspektivwechsel gekommen?

JM: James zeichnet für die Lyrics verantwortlich. Du hast die grundlegende Thematik bereits skizziert. Diese ist verbunden mit der Frage, wo in Zukunft unserer Platz sein wird. Die Situation rund um den Klimawandel und dessen weiterer Verlauf werfen viele Fragen auf.

Das Leben auf diesem Planeten zu erhalten wird nicht einfach, auch aufgrund düsterer Prognosen wie dass die Sonne immer heißer wird. Das dauert zwar noch einige Millionen Jahre, aber irgendwann wird der Punkt erreicht sein, an dem all das Leben spendende Wasser verdampft ist.

James hat sich von den Ideen eines Elon Musk zu interplanetaren Reisen und Umsiedlungen inspirieren lassen. Es ist ein sehr spannendes Thema, aber erscheint um so logischer, je mehr man drüber nachdenkt. Wir sind dann die Aliens, wenn es soweit kommt, dass wir unseren Planeten verlassen müssen.

YV: Auf dem Artwork ist ein kleiner Junge abgebildet, der ein wenig verloren auf einem Berg steht mit einer Skyline im Hintergrund. Ein wenig surreal muten die übergroßen Schuhe an, die ebenfalls im Bild zu finden sind. Hier schwingt von den Fluchtfantasien von “The Alien” abgesehen auch der Gedanke an die nächste Generation mit.

JM: Ich verehre die Arbeiten von Hugh Syme. Es ist immer aufs Neue faszinierend, was rein der Albumtitel in seiner Fantasie und Vorstellung weckt und er dann zu Papier bringt. Er fängt in jedem Fall den Albumtitel und den Spirit der Platte ein.

YV: Neben dem Artwork kann der Albumtitel auch als schöne Beschreibung einer Band mit progressivem Anspruch gelesen werden.

JM: Der Titel spielt mehr auf extreme Abenteuer an, auf die Menschen sich begeben und spiegelt die intensiven Erfahrungen wieder. Beginnend mit der Idee, den Umsetzungsversuchen in der Vorbereitung und der sich anschließenden Reise beschreiben wir die Faszination, die solch ein Abenteuer mit sich bringt.

Das kann eine Grenzerfahrung wie Klettern in extremer Höhe sein und der Kick, den Menschen daraus ziehen. Möglicherweise können sie sich dadurch stärker spüren in solchen hochfliegenden Momenten. Das bezieht sich auch auf andere unglaubliche Unternehmungen auf die sich Menschen begeben.

Mir ist wichtig, dass wir einen positiven Bezug herstellen, wenn wir diesen Titel verwenden. Ich finde, er ist ein sehr positives Statement und fasst sehr gut unsere Erfahrungen der vergangenen eineinhalb Jahre zusammen.

YV: Dream Theater zeichnet einerseits ein hoher technischer Anspruch aus. Gleichzeitig agiert ihr auch songdienlich. Es gibt einige großartige Melodien und Refrains wie in “Sleeping Giant” oder “Transcending Time”. James bringt diese Melodien diesmal sehr gut zur Geltung. Was denkst du über das Wechselspiel zwischen Technik und Gefühl?

JM: Diese Balance zeichnet uns als Dream Theater aus. Wir haben die instrumentale Seite in uns, die unsere Hände und Finger stark beansprucht (grinst). So wie wir uns dieser technischen Seite verhaftet fühlen, haben wir auch Passagen mit coolen Melodien, die James mit seiner starken Stimme veredelt. Seine Perspektive und seine Seele bringen uns auf ein anderes Level. Das sind einfach wir. Wir sind fünf Menschen und spiegeln in unserer Musik die Chemie wider, wer wir sind und was uns auszeichnet.

YV: Inwieweit beeinflussen die Songs, die ihr Live spielt, den Kompositionsprozess? Ihr habt euer Konzeptmeisterwerk “Scenes From A Memory” anlässlich des zwanzig jährigen Jubiläums in Gänze aufgeführt, nachzuhören auf dem Mitschnitt “Distant Memories”. Die abgestoppte Gitarre in Kombination mit der Snare Drum am Anfang des Titeltracks hat durchaus Ähnlichkeiten mit dem Beginn der Ouvertüre zu “Scenes”. “Sleeping Giant” mit seinem dramatischen Spannungsbogen erinnert zudem an das Finale. Gibt es da einen Zusammenhang zwischen der absolvierten Tour und dem sich anschließenden Songwriting-Prozess?

JM: Es gibt immer wieder einzelne Elemente unserer Alben, die wir als Referenzen heranziehen und die die Richtung mitbestimmen. In einer bestimmten Weise ergreifen wir mit dem neuen Album das Momentum, das uns der Erfolg von “Distance Over Time” beschert hat.

Die Energie und Ausrichtung dieser Platte imponiert uns nach wie vor. Gleichzeitig borgen wir uns auch hier und da Elemente von vergangenen Alben aus wie etwa “Scenes From A Memory” und gestalten sie im gleichen Zuge etwas um.

YV: Habt ihr in einem Raum zusammen gespielt, um die Teile auszuarbeiten oder waren die Parts bereits vorher fertig und ausnotiert?

JM: Ein wenig Heimarbeit geht den Sessions voraus. Jeder arbeitet etwas aus und bringt die Ideen mit. Als wir den Prozess angefangen hatten, waren wir alle zusammen in einem Raum. James konnte Pandemie-bedingt nicht reisen und so war er via Videocall dazugeschaltet. Er war somit auf dem gleichen Stand wie alle anderen auch. Es fühlte sich so an, als wäre er vor Ort gewesen.

Wir fingen mit der Saat eines Songs an und näherten uns dem Resultat an, das sich für uns am natürlichsten anfühlte und unserem Spielgefühl entsprach. Jede Idee spricht auf eine bestimmte Weise zu dir und gibt dir die Umsetzung mit auf den Weg. Wir experimentieren auch nicht großartig herum. Nach einer Weile entwickelt sich die Idee und mündet in einen Song. Wenn es fertig ist, dann fängt etwas neues an. Gleichzeitig ist es sehr spontan, speziell an dem Punkt, an dem vieles möglich scheint, wenn du dich im kreativen Fluss befindest.

YV:“The Astonishing” war ein Musical mit durchgängiger Orchesterbegleitung, “Distance Over Time” überraschte mit einem Back To The Basics-Ansatz und jetzt habt ihr durch euer neues Headquarter ständig die Gelegenheit zusammenzukommen und an neuer Musik zu arbeiten. Wie wichtig ist dieser Schritt in Richtung Eigenständigkeit gewesen?

JM: Wir wollten immer ein zweites Zuhause haben, wo wir schreiben und zusammenarbeiten können. Wenn du einen solchen Ort nicht zu eigen hast, musst du dich immer wieder auf wechselnde Locations einstellen. Nun fühlen wir uns sehr heimisch und gestalten es von mal zu mal ein Stück weit komfortabler. Das ist ein wahr gewordener Traum. Es ist die pure Freude und das Resultat stimmt uns sehr zufrieden.

YV: Ihr seid aktuell drei verschiedene Texter. Welcher Song geht auf deine Kappe?

JM: Von mir stammt “Awaken The Master”. Ich verwende das Wort Master als Metapher für Herz. Man könnte auch davon sprechen, sein Herz zu öffnen. Der Song ist durchaus spirituell und hat mehrere Schichten wie er zu lesen ist. Manchmal musst du etwas loslassen oder dich neuen Dingen zuwenden. Immer wenn das geschieht, hört man zunächst mit seinen Ohren, was auch nur normal erscheint.

Wenn du nun dein Herz mit der Frage beschäftigst, merkst du, dass dein Herz ebenfalls imstande ist zuzuhören. Und manchmal wartet dein Innerstes mit einer Antwort auf, die du nicht erwartet hast. Das ist für mich der bessere Weg, in einem Entscheidungsprozess dem zu folgen, was man wirklich möchte.

Der Song ist zudem von einer Dokumentation beeinflusst mit dem Titel “Inner Worlds And Outer Worlds”, in der es viel um den Einfluss der Technologie und der damit einhergehenden Geschwindigkeit auf den menschlichen Geist geht. Dies kann durchaus negative Auswirkungen auf die Menschheit haben. Die damit zusammenhängenden Herausforderungen spielen in meinen Überlegungen eine große Rolle.

YV: Du beschreibst einen sehr nachdenklichen Moment. Wenn man dagegen “Transcending Time” legt, dann hört man einen sehr erbaulichen Song gekrönt von einem tollen Refrain. Der Text beschreibt den kreativen Flow, der Zeit und Raum überwindet.

JM: Der Song unterscheidet sich tatsächlich ein wenig vom Rest. Er steht in einer Dur-Tonart, welche das Gefühl evoziert, von dem du sprichst. Eine große Herausforderung bestand darin, den Vibe und die Energie einzufangen, ohne zu stark in die Dur-Tonart abzudriften. Wir wollten etwa nicht die Heavyness außen vor lassen. Wir haben eine Zeit lang daran gearbeitet, aber ich denke, es ist uns gelungen. Der Track ist sehr cool und hat einige Anleihen an Rush. Der Song steht zwar in Dur, aber er ist hart und mitreißend.