James LaBrie: “Fans should never be taken for a ride”

Marc Fernandez

15/12/2021

After a year in which its members have been very busy, Dream Theater have released a new album destined to take them on tour around the world once again.

We met with James LaBrie, frontman of the band, to introduce us to this new musical universe of the most important progressive band in the world, he reveals several of his secrets and tells us about the ups and downs that the group has had to go through to compose their recent work.

A return to the roots

Many people consider that ‘A View From The Top Of The World’ sounds like classic Dream Theater but with a much more mature approach. What do you think about that?

I can fully understand why people would say something like that, especially die-hard fans, and there is a lot of truth to the statement. By definition, Dream Theater’s sound is very hard to define, and I’m proud to say that we’ve never said no to anything when it comes to experimentation. We’re a band that won’t change our sound radically from one record to the next but we’re an evolutionary band, building on what we’ve done before and putting a twist on it that maybe at the time didn’t fit or didn’t occur to us.

I think if we had put out a ‘Distance Over Time 2’ or even an ‘Octavarium 2’ people would have noticed and wouldn’t have been amused. You should never try to pull the wool over the eyes of your fans, but Dream Theater fans more than anyone else because they’re some of the most observant people out there. So the songwriting period is based entirely on the art of continuing the risks we’ve taken before, taking new ones and at the same time doing the things we know the fans love.

For example, we hadn’t written an epic song in the style of “Count Of Tuscany” or “Octavarium” in a while, so to some extent we knew we owed that to the fans, but we will always do it for us first. In that sense I understand that the listener coming to that song feels like they’re in familiar territory. But of course, you can’t sell them the same product again in a different wrapper either. There’s an art to it!

Considering how the current market works, it’s been a short time since ‘Distance Over Time’ and ‘A View From The Top Of The World’. Were you inspired?

As a philosophy we have always decided that inspiration is everything, and when a thing like Covid happens where as a musician all you can do is create, I feel that the creation of a new album has been a very natural thing.

Without going any further, John (Petrucci) has been able to put out material for his solo album, for Liquid Tension Experiment and for Dream Theater. What we weren’t going to do was put all this stuff in a trunk, sit on it and wait for someone to tell us that by putting out material at X time we’re going to sell more. No, that’s not our style at all.

What has happened to a lot of bands, including us, is that Covid has prevented almost all of the touring. Personally I have found it very frustrating. A few years ago having to cancel a gig was a horror, the worst thing that could happen to you on tour, and for the last two years it has become the norm. It doesn’t make any sense to release an album that you can’t present and defend live because by the time you can do it, the novelty will have worn off in the minds of the listeners.

Fortunately everything seems to have come back to its senses a bit and with a little bit of luck in 2022 we will be able to tour without any inconvenience.

You have written just seven songs, which although it may not seem like much, is just what Rush did with their more progressive albums. It’s less songs than on ‘Distance Over Time’ and a lot less than on ‘The Astonishing’. Did you plan it from the beginning or did it come more naturally?

It wasn’t planned at all, and I know what you mean, don’t forget you’re talking to the biggest Rush fan in the world! (laughs) If you choose the more technical Rush albums it’s true that they have few songs, but the ones that are there are very dense. On ‘Hemispheres’ there are only four, but one is “Cygnus X-1: Part 2” which is 18 minutes long and the other is “La Villa Strangiato” which is one of the most challenging instrumentals ever composed. In our case, with the material of the epic “A View From The Top Of The World” we could have made six simpler songs, but where’s the fun in that?

Continuing with the analogy, I like to think that this album has the same DNA as ‘Permanent Waves’ or ‘A Farewell To Kings’, in the sense that it has just the right amount of songs it needs. The filler in the end just cheats the fans and limits the amount of good songs. When we finished writing and felt that the product fit what we wanted, there was no need to add three or four extra songs – even though there was plenty of material to do so.

At 20 and a half minutes, the eponymous “A View From The Top Of The World” is one of Dream Theater’s longest songs, which in itself is quite a milestone. How do you bake a song like that?

I think it’s been noticed, but it’s the song I’m most proud of on this album. (laughs) There are a lot of things to take into account. A lot of people ask us if we sit down and say, “Let’s do a long track,” you know, like if you own a restaurant and you become famous for making the biggest burgers in town. Yes, to keep customers you have to keep making big burgers, but your evolution shouldn’t stop there.

I’m not going to lie to you; we all wanted to write an epic song again, but for this one to be good, there have to be some very specific conditions because otherwise it falls apart. It’s hard to make a song of more than twenty minutes that transmits that each section is indispensable for the development of the song. A long song for its own sake is no better than a filler song.

In that sense I think that the illusion of the whole band to work again on a song like that resulted in a very natural composition, and in fact the album is named after the song, so it was the starting point from which all the other compositions have emerged. Now all I want is to be able to play it live, because with the right performance, a good production and with the fans in front of it is when a song reaches its true splendor.

The vocal lines on “Invisible Monster” have a lot of passion and almost sound like a Journey song. How do you choose the sound you want for each one?

First thank you for comparing us to Journey, one of my biggest influences and a constant guide on how to do things right. As far as the approach goes, “Invisible Monster” is a very passionate song that unravels very strong feelings, so it demanded a very specific way of singing. It’s no use singing a very moving lyric if you do it without passion as if you were reading the newspaper out loud. I always look for the meaning in each song and go a step further, I try to immerse myself in its story and bring it to a listener who may not be able to understand it as deeply.

In that sense, my way of working from one release to another doesn’t change much either, but it is inevitable to feel more empathy for one cut than another. On the compositions for ‘A View’ John and I have sat down again to write lyrics together like we hadn’t done in years. As selfish as it sounds, it’s much easier to understand a lyric that you’ve written yourself, and I think that’s why there’s so much passion in the last few songs, and they even sound visceral.

New challenges

On the last tour you combined new songs with an unabridged performance of ‘Metropolis Part 2’. Should we expect something similar on the upcoming tour?

The problem with having a career as long and fruitful as Dream Theater’s is that there comes a point where you can’t fit as many songs into your set as you’d like – even doing two-act, three-hour-plus shows. One thing I’m thankful for is not having “the hit,” i.e., a song I feel obligated to perform. If Kiss play a concert and don’t play “Rock And Roll All Nite” it’s very possible that many people would ask for their money back. In that sense we are not tied to any theme.

In the end we have been combining new songs with albums played in their entirety for several years now, but always because it was their anniversary or we were celebrating something. For this tour we will not repeat that format of composing a set entirely by an album in the exact order of its tracklist, but we will continue with our habit of balancing between the new and the old.

At the moment I can’t tell you which songs we will play and which we won’t, but I do predict a more than notable presence of songs from ‘A View From The Top Of The World’, not only to sell the album, but because we are very confident that the fans will love the way we will perform them. As for the rest, we have decided on a couple of songs that we haven’t played as much as we should and that we think will surprise people both here and abroad.

Because of the pandemic you had to compose using Zoom from Canada until you were able to travel to New York to record your tracks. How was the experience?

To tell you the truth, although at the beginning it frustrated me a lot, at the end of the process it has served to change the way I approach my work philosophy in a very radical way. Times have changed a lot, and nowadays many musicians have their own studios at home with which they can get results as good as if they went to a professional one.

It has helped me to realize that at the end of the day, the skill and cunning of the producer who is going to work with your music is more important than the means with which you capture your music. John had a whole studio set up in his house and was able to do much of his work from there, so when we would make a Zoom call he would show me demos that looked a lot like what would end up being the final product.

It is very curious that this has been one of the albums in which I have made more contributions while it is the first in which I have not been present in much of its conception. Being locked up forced me to compose to preserve my identity as a musician, so when the music started coming in, the lyrics just came from me, and the whole process was as natural as if we had been composing alongside each other.

When I was finally able to fly to New York and lay down my tracks, the feeling was not that of facing an uncertain challenge, but it all came very naturally, as if I was taking an exam for which I had studied hard. It has presented us with a much more comfortable way of working in which I can spend 12 hours working on my music and then go out to dinner with my family, and whether I have Covid or not. I think it’s a work philosophy that I will always preach.

Original text

James LaBrie: “Nunca hay que tomarle el pelo a los fans”

Marc Fernández

15/12/2021

Después de un año en el que sus componentes han estado muy ocupados, Dream Theater han lanzado al mercado un disco nuevo destinado a llevarles nuevamente de gira por todo el mundo.

Quedamos con James LaBrie, frontman de la banda, para que nos introduzca de lleno en este nuevo universo musical de la banda de progresivo más importante del mundo, nos revela varios de sus secretos y nos relata las peripecias que ha tenido que atravesar el grupo para componer su reciente trabajo.

Un retorno a las raíces

Mucha gente considera que ‘A View From The Top Of The World’ suena como los Dream Theater clásicos pero con una aproximación mucho más madura. ¿Qué opinas al respecto? 

Puedo entender perfectamente por qué la gente diría algo así, sobre todo los fans más acérrimos, y lo cierto es que hay mucha verdad en la afirmación. Por definición, el sonido de Dream Theater es muy difícil de definir, y estoy orgulloso de afirmar que nunca le hemos dicho que no a nada en lo que atañe a la experimentación. Somos un grupo que no cambiará de sonido radicalmente de un disco a otro pero sí que somos una banda evolutiva, que construye sobre lo que hizo con anterioridad y le da un giro que tal vez en su momento no cuadraba o no se nos ocurrió.

Creo que si hubiéramos sacado un ‘Distance Over Time 2’ o incluso un ‘Octavarium 2’ la gente se habría dado cuenta y no le habría hecho ninguna gracia. Nunca has de intentar tomarle el pelo a tus seguidores, pero a los de Dream Theater menos que a ninguno porque son de los más observadores que existen. Entonces el periodo de composición se basa íntegramente en el arte de continuar con los riesgos que ya hemos asumido anteriormente, asumir otros nuevos y al mismo tiempo hacer las cosas que sabemos que los fans adoran.

Por ejemplo, hacía tiempo que no escribíamos una canción épica al estilo de “Count Of Tuscany” u “Octavarium”, por lo que hasta cierto punto sabíamos que le debíamos eso a los aficionados, pero siempre lo haremos primero por nosotros. En ese sentido entiendo que el oyente que llegue a esa canción se sienta en un territorio familiar. Pero claro, tampoco puedes volver a venderles el mismo producto con un envoltorio diferente. Lo dicho, ¡es todo un arte!

Teniendo en cuenta cómo funciona el mercado actual, ha pasado poco tiempo desde ‘Distance Over Time’ y ‘A View From The Top Of The World’. ¿Estabais inspirados? 

Como filosofía nosotros siempre hemos decidido que la inspiración lo es todo, y cuando una cosa como el covid ocurre en la que como músico lo único que puedes hacer es crear, considero que la creación de un nuevo álbum ha sido algo muy natural.

Sin ir más lejos, John (Petrucci) ha podido sacar material para su trabajo en solitario, para Liquid Tension Experiment y para Dream Theater. Lo que no íbamos a hacer era meter todo esto en un baúl, sentarnos encima y esperar a que alguien nos dijera que sacando material en X momento íbamos a vender más. No, no es en absoluto nuestro estilo.

Lo que sí les ha ocurrido a muchas bandas, nosotros incluidos, es que la covid ha impedido casi la totalidad de las giras. En lo personal me ha resultado muy frustrante. Hace unos años tener que cancelar un concierto era un horror, lo peor que te podía ocurrir de gira, y desde hace dos años ha pasado a ser la norma. No tiene ningún sentido sacar un trabajo que luego no puedes presentar y defender en directo porque cuando al final puedas hacerlo la novedad se habrá marchitado en la mente de los oyentes.

Afortunadamente todo parece haber vuelto un poco a sus cabales y con un poquito de suerte en 2022 podremos girar sin que haya ningún inconveniente.

Habéis escrito justo siete canciones, que aunque parezca poco, es justo lo que hacía Rush con sus discos más progresivos. Son menos canciones que en ‘Distance Over Time’ y muchas menos que en ‘The Astonishing’. ¿Lo planeasteis desde el principio o surgió de forma más natural? 

No estaba planeado en absoluto, y sé lo que quieres decir, ¡no olvides que hablas con el mayor fan de Rush del mundo! (Risas). Si tú eliges los discos más técnicos de Rush sí que es cierto que tienen pocas canciones, pero las que hay son muy densas. En ‘Hemispheres’ solo hay cuatro, pero una es “Cygnus X-1: Part 2” que dura 18 minutos y la otra es “La Villa Strangiatto” que es una de las instrumentales más desafiantes jamás compuestas. En nuestro caso, con el material de la épica “A View From The Top Of The World” podríamos haber hecho seis canciones más simples, ¿pero dónde está la gracia?

Siguiendo con la analogía, me gusta pensar que este trabajo tiene el mismo ADN que ‘Permanent Waves’ o ‘Farewell To Kings’, en el sentido de que tiene justo la cantidad de canciones que necesita. El relleno al final lo que hace es estafar a los fans y limita la cantidad de temas buenos. Cuando terminamos de componer y sentimos que el producto se adecuaba a lo que queríamos, no hubo necesidad de añadir tres o cuatro canciones de más -pese a que había material de sobras para hacerlo-.

Con 20 minutos y medio, la homónima “A View From The Top Of The World” es una de las canciones más largas de Dream Theater, lo que en sí mismo es todo un hito. ¿Cómo se hornea un tema así? 

Creo que se ha notado, pero es la canción de la que más orgulloso estoy de este trabajo (risas). Hay muchas cosas a tener en cuenta. Mucha gente nos pregunta si nos sentamos y decimos: “Hagamos un tema largo”, ya sabes, como si tienes un restaurante y te haces famoso por preparar las hamburguesas más grandes de la ciudad. Si, para mantener clientes debes seguir haciendo hamburguesas grandes, pero tu evolución no debe limitarse a eso.

No voy a mentirte; todos queríamos volver a componer un tema épico, pero para que este sea bueno se han de dar unas condiciones muy concretas porque sino cae por su propio peso. Cuesta hacer un tema de más de veinte minutos que transmita que cada sección es indispensable para el desarrollo de la canción. Una canción larga porque sí no es mejor que un tema de relleno.

En ese sentido creo que la ilusión de toda la banda por volver a trabajar en un tema así se tradujo en una composición muy natural, y de hecho el disco se llama así por la canción, por lo que supuso el punto de partida del que han surgido todas las otras composiciones. Ahora lo único que deseo es poder tocarla en vivo, porque con la ejecución adecuada, una buena producción y con los fans delante es cuando un tema alcanza su auténtico esplendor.

Las líneas vocales en “Invisible Monster” tienen mucha pasión y llegan a sonar casi como una canción de Journey. ¿Cómo eliges el sonido que quieres para cada una? 

Primero gracias por compararnos con Journey, una de mis mayores influencias y una constante guía de cómo hacer las cosas bien. En lo que atañe el enfoque, “Invisible Monster” es una canción muy pasional y que desentraña sentimientos muy fuertes, por lo que exigía una forma de cantar muy concreta. No sirve de nada cantar una letra muy conmovedora si lo haces sin pasión como si leyeras el periódico en voz alta. Siempre busco el significado que hay en cada canción y voy un paso más allá, trato de sumergirme en su historia y llevársela a un oyente que tal vez no pueda entenderla tan profundamente.

En ese sentido, mi forma de trabajar de un lanzamiento a otro tampoco cambia mucho, pero sí que es inevitable sentir más empatía por un corte que por otro. En las composiciones de ‘A View’ John y yo nos hemos vuelto a sentar para hacer letras juntos como hacía años que no lo hacíamos. Aunque suene egoísta, es mucho más fácil entender una letra que has escrito tú mismo, y creo que por eso en las últimas canciones hay tanta pasión, llegando a sonar hasta viscerales.

Nuevos desafíos

En la última gira combinasteis temas nuevos con la interpretación íntegra de ‘Metropolis Part 2’. ¿Deberíamos esperar algo similar en el tour que está por venir? 

El problema de tener una carrera tan larga y fructífera como la de Dream Theater es que llega un punto en que no puedes incluir en el set todas las canciones que te gustaría -incluso haciendo conciertos en dos actos y de más de tres horas-. Algo de lo que sí que estoy agradecido es de no tener “el hit”, es decir, una canción que me sienta obligado a interpretar. Si Kiss dan un concierto y no tocan “Rock And Roll All Nite” es muy posible que mucha gente pidiera la devolución de las entradas. En ese sentido nosotros no estamos atados a ningún tema.

Al final nosotros llevamos ya varios años combinando temas nuevos con discos tocados íntegramente, pero siempre porque es su aniversario o celebramos algo. Para esta gira no repetiremos este formato de componer un set íntegramente por un disco en el orden exacto de su tracklist, pero sí que seguiremos con nuestra costumbre de equilibrar la balanza entre lo nuevo y lo viejo.

Hoy por hoy no puedo decirte qué canciones tocaremos y cuáles no, pero sí que auguro una presencia más que notable de cortes del ‘A View From The Top Of The World’, ya no solo por vender el disco, sino porque tenemos mucha confianza en que a los aficionados les encantará cómo las ejecutaremos. Por lo demás, tenemos decididas un par de canciones que no hemos tocado tanto como deberíamos y que creemos que sorprenderán a propios y extraños.

Por culpa de la pandemia tuviste que componer haciendo Zooms dese Canadá hasta que pudiste viajar a Nueva York para grabar tus pistas. ¿Cómo fue la experiencia? 

Si te digo la verdad, aunque al principio me frustró bastante, al final del proceso ha servido para cambiar mi forma de enfocar mi filosofía de trabajo de un modo muy radical. Los tiempos han cambiado mucho, y hoy por hoy muchísimos músicos tienen sus propios estudios en casa con los que pueden sacar resultados tan buenos como si se desplazaran a uno profesional.

Me ha servido para darme cuenta que al final del día es más importante la maña y la astucia del productor que va a trabajar con tu música que los medios con los que captures tu música. John tenía todo un estudio montado en su casa y pudo hacer gran parte de su trabajo desde ahí, por lo que cuando hacíamos una llamada por Zoom ya me enseñaba unas demos que se parecían mucho a lo que iba a terminar siendo el producto final.

Es muy curioso que este haya sido uno de los trabajos en los que haya hecho más aportaciones a la vez que es el primero en el que no he estado presente en gran parte de su concepción. El estar encerrado me forzó a componer para preservar mi identidad como músico, de forma que cuando la música comenzó a llegar, las letras simplemente surgían de mí, y todo el proceso fue tan natural como si hubiéramos estado componiendo los unos junto a los otros.

Cuando finalmente pude volar a Nueva York y dejar grabadas mis pistas, la sensación no era la de enfrentarme a un reto incierto, sino que todo surgió con mucha naturalidad, como si hiciera un examen para el que había estudiado mucho. Nos ha presentado una forma bastante más cómoda de trabajar en la que me puedo pasar 12 horas trabajando en mi música y luego irme a cenar con mi familia, y haya covid o no. Creo que es una filosofía de trabajo que voy a predicar siempre.